El oído (segunda parte)

En el anterior artículo hablo de los avanzes tecnológicos en los audífonos y que a medida que pasa el tiempo cada vez son más sotisificado. Durante estos últimos meses he investigado más acerca de los audífonos y me he encontrado con tipos de dispositivos que son semimplantables o implantables al cuerpo humano. Para obtener más información tuve que realizar varias visitas a especialistas (Otorrinolaringólogo) para que me dieran más detalles sobre estos implantes. Nunca pensé que la ciencia avanzáse tan rápido y parece más bien cosa de la ciencia ficción. 

Primeramente quiero dejar claro que la información aquí facilitada es fruto de visitas a dichos especialistas y es meramente información no pensaba para médicos, sinó más bien información para personas como yo que tiene curiosidad de ver otras alternativas a parte de los audífonos convencionales; llámase sonotone. Quienes estén interesados en más información acerca de estos implantes puede consultar via internet por páginas de otología o revistas digitales especializada en la medicina auditiva, también es consultar a un especialista para que les informen con más profundiad sobre estos implantes.

Existen muchos implantes para recuperar el oído, destacamos el implante coclear como dispositivo que recupera la audición a personas sordas de nacimiento, de hecho este implante es exclusivamente para éstas personas. No está indicado para personas con perdida neurosensorial ya que éstas tienen audición por muy pequeña que sea, y lo indicado hasta hace muy poco era el audífono convencional. 

Para las personas con deficiencia auditiva neurosensoriales como es mi caso, existen unos implantes llamados Implantes de Oído Medio, llamado tambiém Implante de Oído Activo. De estos implantes se clasifican en dos:

1.- Los Semimplantables.

2.- Implantables completamente.

1.- Los Semiplantables:
Estos dispositivos requieren cirugía pues consisten en dos elementos; uno, está en el interior del cuerpo y conectado a la cadena de huecesillos, y dos, la parte externa consiste de un micrófono que mediante un imán se acopla al dispositivo que debajo de la piel. Éste al entrar en contacto se activa y la persona puede escuchar los sonidos que le envuelven. Existen varios fabricantes donde realizan estos productos como son:
1.- Vibrant Soundbridge de Medel

2.- MET de la casa Cochlear

3.- Maxum de la empresa ototronix

 

2.- Totalmente implantables:

Son dispositivos que también requiere cirugía pero esta vez son en el interior del cuerpo, bajo la piel y se ubica detrás de la oreja. Estos audífonos son perfectos para quienes utilizen el agua como ir a la playa, piscina, etc. Estan pensados para aquellos que quieran una calidad de vida excelente y el único inconveniente es el precio. La operación consiste en que uno de los cables se inserta en la cadena de huecesillos y el otro en el caracol de manera que el sonido primero va a la cadena pasando por el dispositivo y después se transmite al caracol. Quienes utilizan estos implantes aseguran que ganan audición y muy satisfecho con ellos, la bateria se carga mediante un imán durante una hora y dura como la bateria del mobil se tratáse. Tambíen hay empresas que disponen de estos dispositivos totalmente implantables ya que están hechos de un material que no perjudique a la piel ni al cuerpo.

1.- Carina, anteriormente de ototronix y actualmente adquirido por Cochlear.

2.- Envoy-Esteem de Medtronic.

  

Con los avances tecnológicos que existen que sabemos lo que nos depara el futuro, si por alguna razón son fiables e incluso mejoran la salud auditiva de las personas con cierta discapacidad auditiva, esto puede ser la solución. Creo que estamos en una era que es muy habtiual ver personas con algún implante auditivo cuando años atrás esto parecia más de ciancia ficción.

El oído

Como en alguna ocasión ya he comentado en este blog, el oído es la herramiento más importante para una un músico. A decir esto uno puede pensar que es cierto, pero hoy en dia nuestro oído esta expuesto a ruidos de ambientes (calle, motor, aviones, etc..), es decir, expuesto a muchos decibelios. Razón por el cual mucha gente en general tiene al menos un perdida auditiva. Y eso se nota cuando el volumen de la tele es demasiado fuerte, también la música alta causa este tipo de perdidas de audición. Ya en la personas mayores es la más normal puesto que la edad también hace participe de que con el paso de los años perdamos audición.

Hay grandes compañias que se dedican a solucionar este problema, las protésis, más conocido por audífonos o sonotone. Gracias a este invento, muchas personas pueden convivir con él sin que tengamos más perdidas de audición. ¿Que hubiese pasado si Beethoven los lleváse? Quizás algunas de sus obras maestras hubieran sido aún más mejor, hipoteticamente [...]. Pero no sólo en la música clásica hay casos de músicos con sordera sinó en la música en general, por ejemplo: Phil Collins, Sting o Neil Young son casos de cantantes que suelen llevar audifonos o sonotones. Y existe un sin fin de famosos que tienen protésis auditivas para paliar el problema. 

En este nuevo siglo llevamos tantas novedades tecnológicas que aún estamos sorprendidos de los que la tecnología es capaz de avanzar, existen audifonos que son sumergibles al agua cuando esto era imposible, también hay con sistema inalámbrico para conectar al mp3 o al móvil por via bluetthoot. Quizás algún dia, ya no se necesitará extraer los audifonos del conducto auditivo sinó que se podrá implantarse dentro del oido gracias al calor corporal sin pilas ni baterias para su funcionamiento.

Estudiar música en el extranjero

Los estudiantes de carreras universitarias suelen escoger universidades cercanas de donde vivimos, normalmente suelen ser en las grandes ciudades si vivimos en un area metropolitana como es Madrid o Barcelona. No con ello, los estudiantes de música que quieren prepararse para las carreras superiores, hay dos vias de escape para su formación: 1. Estudiar en un conservatorio superior cercano; 2. Ver las posibilidades de poder estudiar fuera de España debido a la gran "normalidad" con la que se estudia música fuera de nuestro alcance. Por ejemplo, los destinos más habituales para estudiar música suelen ser; Alemania, Francia, Austria, Reino Unido e Italia. ¿y España? Curiosamente, España es un país que tiene muy buenos profesores de música pero tienen una cierta limitación académica debido a la Ley de Educación. Muchos profesores suelen vivir entre dos sueldos que lo compaginan, cuando se lo pueden permitir, los profesores estan a caballo entre la enseñanza y una orquesta sinfónica.

Los estudiantes más habituales que tienden a salir de España, normalmente suelen ser los que tocan insrtumentos de cuerda, véase Violín, Viola, Violonchelo, Contrabajo, Arpa, etc. En cambio, los estudiantes de instrumentos de viento (tanto madera como metal) existe una gran cantidad profesionales afincados en nuestro país, en especial profesores y profesionales nacidos en el levante. Digo levante, porque en cierta manera la tradición de bandas, es decir, instrumentos de viento hace que sea una una zona muy concurrida de gente muy bien preparada. Maurice André afirmó que esta zona está plagado de músicos con una afición muy arriagada desde tiempos memorables. Castellón, Valencia, Alicante y parte de Murcia, existen cuando menos, los especialistas del viento. 

Ocurre lo contrario con los instrumentistas de cuerda, la gran mayoria suelen ser alemanes, algún francés y sobretodo originario de paises del este incluyendo Rusia. No hace falta ir muy lejos para comprabarlo, visiten una web de alguna orquesta sinfónica establecida en España y miren la plantilla orquestal. Veran que las cuerdas estan dominadas por nombres de gentes de los paises del este o del norte de europa (desde Francia hacia arriba) y en cambio, los instrumentistas de viento la gran mayoria suelen originarios del levante español o puramente españoles. Siempre hay algún extranjero logicamente, pero el 90% de los musicos de instrumentos de viento són españoles.

Así que el hecho de estudiar música no supone un problema si eres más viento, pero si la cosa va de la cuerda, seria un lastre al menos en la vida poder estudiar en el extranjero y conocer gente de otras nacionalidades y comparar con los sistemas educativos de otros países. Así es como un músico sabe lo que se cuece en país a otro el nivel de cultura y lamentablemente, España se encuentra en los primeros puestos empezando por el final. ¿Porqué? Digansélo a los políticos cuando los conservatorios proponen un sistema unificado con otros países, éstos hacen oídos sordos. ¡Ups, que ironía!

Los conciertos para Oboe de Tomaso Albinoni

Tomaso Albinoni fué un compositor de Venecia que se dedicó por completo a la música, pero de su extensa obra lo que más destaca es sin duda los famosos conciertos para oboé con permiso de su conocido Adagio. En la italia del Rococó hubo un gran numero de compositores que se dedicaron a escribir conciertos para instrumentos solistas junto con una orquesta de cuerdas o cámara. El primer compositor que tenemos en mente de la época del Barroco y de Itália es Vivaldi, que fué el precursor de los conciertos de tres movimentos (Rápido-Lento-Rápido) y que más tarde se le aplicó a la sinfonias. Antes de la llegada de la escuela de Manheim que añadia otro movimiento a la sinfonia actual, es decir, la de 4 movimientos y ésta ser un Rondó. Ya en el clasicismo seria la estructura casi como patrón de las sinfonias de Mozart, Beethoven, Haydn (Rápido-Lento-Rápido-Rápido "forma de rondó).

 

Como carta de presentación de la compañia holandesa Brilliant Classics en sus inicios, se dedicó a publicar discos sobretodo del Barroco, entre los cuales estaban la integral de Bach, obras de Vivaldi, los conciertos para Trompeta de Torelli, etc... Y finalmente nos encontramos con esta grabación que podria ser una de tantas, pero resulta que en esta entrega se recorge todos los conciertos para oboé de Albinoni y el 3er disco son los conciertos para violín. Es un testigo de cómo un compositor de la época del Rococó Veneciano, coge la idea de los conciertos propulsados por Vivaldi. Si a Vivaldi se le conoce por sus conciertos para Violín al igual que Torelli por sus obras para Trompeta, Albinoni se le conoce por sus conciertos para Oboé que cualquier oboetista es pan de cada dia. En el repertorio de un estudiante de oboe raro es el que no toque algun movimiento de sus conciertos, sin dejar de lado otros conciertos posteriores como el de Mozart (que no es otra cosa que una transcripción del 2º concierto para flauta) y otros compositores que dieron importancia a un insrtrumento que ya venia del Barroco. Los inicios de esta compañia eran más bien de la época Barroca y poco a poco se ha ido ampliando su extensa discográfia hasta obtener en el 2006 la joya de la corona, la integral de Mozart. 

Con esta grabación cuenta con con dos orquestas habituales para la compañia, la Stuttgart Chamber Orchestra y la European Chamber Soloist junto con su director también habitual en la grabaciones de la Brilliant, Nicol Matt. Y en los intérpretes son dos italianos oboetistas con reconomiento en los circulos de los instrumentos de viento madera, son Stefan Schilli y Giovanni Deangeli. A diferencia de Heinz Holliger donde también grabó con I Musici la obra para oboé de Albinoni, en esta grabación tiene cierto punto de sonoridad barroca.

Si pueden escuchar esta obra tan espléndida para oboé, descubriran a un oboé con una exquisitez que sólo Albinoni puede hacerlo. No lo duden!

John Williams, compositor de base clásico para la música en el cine

Quizás el nombre os suene a compositor de bandas sonoras de Hollywood, y estan en lo cierto. Estos dias anuncian en los cines la nueva de pelicula de Superman (El Hombre de Acero) y ya es la sexta entrega de este superheroe. Recordemos que la primera entrega de éste pelicula tuvo tanto éxito que el compositor John Williams fué quien puso la música a la cinta, y todos tenemos en mente la secuencia del Christopher Reeves sobrevolando Nueva York y la música de fondo su mitica marcha de Superman. En las siguientes entregas ya no trabajó para el superheroe pero si dejó un legado que ha sido como material para los créditos iniciales y finales, y así mantener el espiritu de las peliculas de Superman. De hecho, los compositores de las siguentes entregas han podido modificar la musica original de apertura y cierre de la cinta, pero ésta modifcación ha sido más de orquestación y no de música ya compuesta.

John Williams se formó en los conservatorios de los Estados unidos con una formación clásica por completo, tanto en instrumento como en composición, pero ha sabido aplicarlo a la industria cinematográfica, se le recuerda por ser autor de: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, Harry Potter, E.T. el extraterrestre, Indiana Jones, etc... y por supuesto, Superman.

Si hablamos de Williams tiene una cierto vínculo con el director de cine Steven Spielberg y Georges Lucas, de hecho son los directores con mas bandas sonoras ha podido crear sin dejar de lado a otros. La memorable secuencia de las bicicletas sobrevolando la urbanización donde vivian la famlia de Kevin (E.T. El extraterrestre) es casi su obra maestra por no decir casi clásica. ¿Y, que dicen de la música de apertura de las Guerras de la Galaxias?, bien podria ser Wagner y ser digno de una obertura de ópera épica. También fué un músico que supo poner en tensión a millones de espectadores que pudieron ver Tiburón y como consecuencia es la música de miles de bañistas que no se atrevieron a meterse en el agua por asociar la música de Tiburón. Y finalmente, en ésta última década, puso música inspirandose en la fantasia para recrear a Harry Potter, y crear música magistralmente mágica. 

A parte de la música para el cine, John Williams cuenta con composiciones clásicas, desde obras para orquesta así como para instrumentos solistas, cabe decir que también es un experimentado director de orquesta. Su orquesta por excelencia es la Orquesta Sinfónica de Boston y la Boston Pop Orchestra.

España durante la época de Mozart

Durante una año preparandome para acceder a la universidad para mayores de 25 años he decidido decantarme por estudiar musicología, quizás una ciencia que a dia de hoy hay cosas sin tener una respuesta o un porqué. Como he aprobado el acceso y decidido acceder al esmuc (Escuela Superior de Música de Catalunya) para hacer la especialidad de Musicología, me gustaria que el trabajo final de carrera (aún sin haber entrado) pudiera "investigar" o "descubrir" una época casi desconocida en la España del clasicismo. 

Los que estudian música en las escuelas y en los conservatorios tienen conocimientos del clasicismo a través de Mozart, Beethoven, Haydn, etc..., en cambio, más de un estudiante no sabria nombrar a un compositor de éste periodo que fuese español. ¿Verdad? ¿Os sugieren alguno?. Pues bien, quizás no sea el primero ni támpoco el último que se plantee hacer un trabajo de musicología para investigar la música y compositores compatriotas de la época de Mozart. Lo más impresionante de todo esto, es que compositores como Mozart, Beethoven y Haydn hicieran música ambientada en España sin haberla pisado. ¿Curioso, no? Para más inri, hacían música pero no con el carácter español, vamos ni por asomo se atrevieron a hacer al menos una seguidilla o un fandango. 

He querido hacer esta pequeña introducción porque creo que es necesario hacer un artículo sobre la música española en el siglo XVIII, donde si que hubo músicos, pero no en constáncia compositores de ésa época. <> pero no sumamente conocidos como Mozart, Beethoven, Haydn, Stamitz y los hijos de Bach. 

 

Sabemos por Mozart, que en la Viena del siglo XVIII, triunfaba un compositor valenciano que se ganó la fama entre el público vienés, Vicente Martin y Soler. Nacido en Valencia en el año 1754, lo llamaba Martin Lo Spagnolo o Mozart Valenciano, de su obra se conoce varias operas. Una de ellas es la más conocida, Una cosa Rara y la que se ha llevado recientemente es otra opera de estilo mozartiano Il Barbero del buon cuore, que el año pasado se representó por primera vez en el Liceu. Es más, Mozart lo conoció personalmente y quedó fascinado por su música que en su opera Cosí Fan Tutte lo homenajea en un aria llamada una Cosa Rara, como referéncia a su ópera.

 

Otro músico más conocido es Antonio Soler y Ramos, considerado el mejor teclista español del siglo XVIII, nacido en Olot en el año 1729. Se influenció por la música de Scarlatti cuando éste se vino a España por encargo de la Reina. Cuando tenía 6 años entró en la Escolanía de Montserrat, donde comenzó sus estudios de música y órgano, al igual que haría Fernando Sor. Ingresó como monje en la orden religiosa de San Jerónimo y se consagró como sacerdote en 1752, por lo que se le conoce como “el padre Soler”. Fue maestro de capilla en la catedral de Lérida y, más tarde, ocupó el cargo de organista y director del coro del monasterio de San Lorenzo de El Escorial, donde pasó a formar parte de su comunidad de jerónimos. Aquí enseñaba y actuaba como primer organista y componía la música para los oficios. Entre sus alumnos destacaba el Infante Gabriel de Borbón, hijo de Carlos III. El Infante era un estudiante muy capaz, de hecho varias de las sonatas para clave de Soler fueron compuestas expresamente para él.

Fue en El Escorial donde estudió con José de Nebra y Domenico Scarlatti. Este último era, por aquel entonces, compositor de la corte española e influenció ciertamente la obra de Soler; ya que se encuentran semejanzas significativas en las sonatas de ambos compositores. Ambos usaron saltos amplios, cruces repetidos de las manos y pasos escalares en terceras o en sextas y el uso de l’acciaccatura, técnica que también utilizaba el padre Soler (Sonata No.5 en Fa mayor). Aun así, hay diferencias estilísticas, como la predilección de Soler por el "bajo de Alberti", raramente empleado por Scarlatti.

Quizás sean los más conocidos, pero quiero nombrar a Fernando Sor, nacido en Barcelona en el año 1778, aunque para muchos se le considera compositor del romanticismo, es un compositor que nació durante la segunda mitad del siglo XVIII y por tanto, también entra en el clascismo.  Su música se la compara con la de Beethoven, por ser un compositor que hace de puente entre el clasicismo y el romanticismo. También es considerado como el Beethoven de la guitarra ya que fué su instrumento durante toda su vida. 

Y finalmente voy a mencionar a un compositor menos conocido que lo descubrí en una recopilación de música pensada para niños, una curiosa obra orquestada y como solista unas castañuleas. ¿Como? - Si, éste compositor llamado Mateo Albéniz (no tiene nada de parentesto con Isaac Albéniz) nacido en Logroño en el año 1755. Fue maestro de capilla y organista en San Sebastián y Logroño y de 1800 a 1829 ocupó el mismo puesto en Santa María del Coro de la capital guipuzcoana.

Fue autor, sobre todo, de música religiosa, sus misas, vísperas, villancicos y oficios de difuntos fueron muy conocidos en el norte de España mientras vivió, aunque después se olvidaron. Su obra más destacada es una Sonata para teclado, publicada por Joaquín Nin en 1925 que es muy conocida, tanto su versión para piano como en las variadas transcripciones que se han hecho, y que muestra cierta influencia de Haydn y Mozart con un toque español.

En 1802 publicó en San Sebastián el tratado Instrucción metódica, especulativa y práctica para enseñar a cantar y tañer la música moderna y antigua.

Dejando la Alemania y la Austria del siglo XVIII, deberiamos de buscar más información de la música española de dicho siglo, será porque no hay músicos y compositores. Lo que pasa es que nos centramos en la música europea que es buena, nadie lo duda, pero podriamos destacar que si hubo muy buenos músicos y compositores en esa España durante el clasicismo. Musicologos haciendo trabajos sobre músicos ya sobradamente conocidos hay a raudales, pero me imagino que en las especialidades de Musicología, pocos son los que hacen un trabajo destinado a una España durante el clasicismo que aún desconocemos y queda por hacer.

La buena música no tiene decadéncia.

La evolución de la música en general exceptuando la música clásica va degenerando varios estilos que no deberían perderse por los nuevos estilos. Algunos de éstos nuevos estilos están más que perdidos sinó hay alguien que los renueve o los innove de tal manera que se mantengan aún pasando los años.

Los estilos musicales que aparecieron a mediados del siglo XX tuvieron su mayor auge hasta bien entrado en la década de los 80 cuando la música pop dió un giro, en este giro los músicos de aquella época innovaron algunos estilos y otros lo evolucionaron. De la evolución ochentera ya no queda mucha cosa por no decir nada, sin embargo, algunos estilos siguen teniendo adeptos e incluso las nuevas generaciones descubren que la música no sólo es Justin Bieber [...]. Un ejemplo de grupos musicales que hoy ya no estan siguen teniendo seguidores e incluso chavales de la quinta de los noventa han visto que lo antiguo es a veces mucho mejor que lo de ahora. Por ejemplo; Rolling Stones, Queen, Led Zeppelin, Metallica, Bon Jovi, Era una època donde nuestros padres escuchaban ésa música y muchos lo siguen escuchando o comprando recopilatorios.

En la década de los noventa el estilo musical decente en la tierra se iba apaciguando cuando nacía el boom de los grupos de pop, ésos grupos donde tenian más importáncia la imagen y no la música y ya no hablamos de la voz. Los grupos de pop solían salir de la indústria discográfica de los Estados Unidos, por ejemplo, un grupo que revolucionó la lista de vendas y precisamente por la imagen más que por la música o la voz; Los Backstreet Boys fueron uno de tantos. En la versión femenina sin duda alguna fueron europeas pero también eran grupos de pop que llenaban estadios, os hablo de las Spice Girls. Un grupo de chicas bien apuestas físicamente pero la música dejaba mucho que desear aunque hay que receonocer que obtuvo un gran éxito. Pero a finales de los 90 y entrando en el nuevo milenio tanto los grupos masculinos y femeninos se perdieron en la cumbre del éxtio. Otros siguieron en la música en solitario pero como alma en pena, promocionadose com tal y la gente ignoraba su música. ¿Que pasó con aquellos grupos? Unos se casaron y formaron famílias, otros estan desperdigados por los mundos dios y finalmente otros se buscaron la vida de otra forma. 

Allà por el año 2008 se rumoreaban que algunos grupos de los noventa querian volver como viejas glorias, Los Backstreet Boys fueron los primeros y vieron que las chicas de ahora tienen la carpeta y sus moviles de otros ídolos fuera del mundo de la música, actores guapos o guapas, personajes populares. A los cantantes de aquel entonces han visto que la cosa no va por dónde ellos querian y han decidido hacerse un auto homenaje, haciendo una gira mundial para dejar o abandonar lo que años atras fueron ídolos de masas. 

Pues bien, ¿que pasa con la música clásica? - algunos se preguntarán que hace un estilo musical que tiene casi 2000 años y 500 años con instrumentos, siguen teniendo adeptos e incluso ganan fieles viendo el panorama musical actual. Quizás no són canciones destinados al romanticismo cutre pero si la època del romanticismo de la música clásica tenga algo en común; el amor, la pasión sexual o el deseo sexual (literalmente). No es lo mismo escuchar a Justin Bieber con sus letras bastante cutres por no decir penosas a escuchar a una gran compositor como es el señor Bach. Ni tampoco escuchar a los Backstreet Boys como a escuchar a Beethoven, Mozart, Schubert, etc.

Escuchen a las viejas glorias del siglo pasado y si pueden intenten oir música clásica, verán que la música clásica y ésos grupos míticos tienen algo en común, interpretar buena música.